Fuente: BBC
La obra hecha en 1963, Auto Verde Accidentado ilustra un auto volcado e incendiado.
La venta cuadruplicó la marca anterior establecida en una subasta del mismo artista el pasado noviembre con la pintura de Mao Tse Tung que vendió en 17 millones 400 mil dólares.
La venta, realizada en la casa de remates Christie´s, fue parte de la segunda subasta más lucrativa de la historia, alcanzando un total de 385 millones.
Se establecieron récord para las obras de más de la mitad de los 50 artistas representados.
Otra pintura de Warhol llamada Marilyn en Limón, alcanzó 28 millones. Esta obra que ilustra a la actriz Marilyn Monroe había tenido un sólo dueño hasta ahora.
Christopher Burge , el presidente honorario de Christie´s, que también fungió como martillo, afirmó: "Ha sido una de las ventas más notables que jamás haya visto"
Los precios han ido subiendo debido a un mercado creciente, con compradores de Asia, Rusia y el Medio Oriente entrando en la contienda con coleccionistas tradicionales.
De acuerdo a Christie´s, 18% de los compradores de la subasta del miércoles eran asiáticos, casi igual al 19% que venía de Europa.
Con el establecimiento de nuevos récord, los coleccionistas sienten la motivación de poner las obras a la venta, lo que a su vez empuja los precios hacia arriba.
Mostrando las entradas con la etiqueta Arte. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta Arte. Mostrar todas las entradas
lunes, mayo 28, 2007
miércoles, mayo 09, 2007
Una Familia colombiana es la dueña de la mayor colección de obras de Andy Warhol en el mundo
Fuente: El Tiempo
Hace menos de un es, el mundo del arte contemporáneo se sacudió ante un reporte de que los dueños de una de las mayores colecciones privadas de Andy Warhol pensaban venderla por mil millones de dólares al reino de Dubai.
Y aunque el acuerdo no ha sido confirmado, la noticia retumbó especialmente en nuestro país, al conocerse que la familia detrás de la supuesta venta es en buena parte colombiana.
Se trata del israelí José Mugrabi, de 68 años, y sus hijos Alberto, de 36, y David, de 35, los dos nacidos en Colombia. La familia está radicada actualmente en Nueva York, donde se mueve en las altas esferas de coleccionistas y corredores de arte.
José, el mayor de siete hermanos, llegó a Colombia desde Israel, en 1951, cuando apenas tenía 16 años. Se estableció en Bogotá bajo la protección de un tío que ya llevaba años trabajando en el sector textil. Fiel a la reputación de los inmigrantes del Medio Oriente que llegaron al país por esa época, José Mugrabi resultó un gran vendedor.
Esa habilidad le ayudó a avanzar en la industria, donde vendía telas al por mayor y al detal. El negocio prosperó y le permitió amasar una pequeña fortuna. A comienzos de los años 70 se casó con una brasileña, con quien tuvo a Alberto y David. Los dos nacieron en Colombia y estudiaron en el colegio Nueva Granada.
Hacia el año 83, cuando David tenía 12 y Alberto 13 años, José salió de Colombia por tres meses y regresó con la esperanza de que la situación de violencia, que atravesaba el país en ese momento, se terminaría. Pero no fue así.
Después de muchas consideraciones tomó la decisión de viajar a Miami, donde no logró ubicarse, y luego a Nueva York.
En esa ciudad intentó abrirse campo en el sector textil pero se dio cuenta de que la dinámica del mercado era diferente. En Estados Unidos, la gente prefería comprar la ropa hecha en lugar de comprar la tela y mandarla hacer.
Justo cuando estaba tratando de decidir qué hacer en Norteamérica, un amigo que trabajaba en una asesoría de arte al Citibank le propuso comprar, por simple placer, un cuadro de Renoir.
A Mugrabi, que no tenía ni la menor idea de arte, no le sonó muy bien la propuesta. Pero el amigo insistió tanto, que para que no lo molestara más, accedió. El tener ese Renoir en la sala de su casa le abrió la puerta a otro mundo y despertó su gusto por la pintura.
Así que decidió seguir comprando cuadros de artistas impresionistas. Pero romper la barrera del cerrado círculo del arte en Nueva York resultó algo difícil. Además de que la oferta de las obras de los clásicos eran muy escasas, los precios eran astronómicos, fuera del alcance de Mugrabi.
Fue un proceso de aprendizaje fuerte. Pero José se dio cuenta que contaba con una ventaja: el buen ojo que tenía para los textiles, también lo tenía para el arte.
Entonces decidió concentrarse en los artistas del momento. Esta estrategia tenía otra ventaja: las obras estaban valoradas en miles de dólares, no en cientos de miles o millones como los impresionistas.
Aunque para los años 80 Warhol ya había sido descubierto y era exitoso, José Mugrabi, como extranjero, vio en las imágenes del artista un simbolismo mucho más poderoso que el que veía la mayoría de los estadounidenses. Para ellos las latas de sopa Campbell era algo de todos los días.
Además, gracias a que Warhol fue muy prolífico, sus obras no habían alcanzado precios exorbitantes.
Esa fascinación con Warhol, lo llevó a acumular la que se dice es la mayor colección privada del artista. Las obras han sido exhibidas en museos de 20 países en calidad de préstamo.
La valorización del artista estadounidense parece imparable: El Warhol más caro vendido en subasta, un retrato de Mao Tse-Tung, fue comprado en noviembre pasado por 17 millones 400 mil dólares. Y se espera que en mayo su trabajo alcance un nuevo récord cuando 'Green Car Crash' sea subastada en Christie's de Nueva York, empezando en 35 millones de dólares.
Gracias a las visitas a museos y galería desde su adolescencia, los hijos de José, Alberto y David Mugrabi también descubrieron su pasión entre las pinturas.
En el 92, luego de estudiar finanzas en Boston, Alberto se unió al negocio de colección y corretaje de arte, un sector muy exclusivo y en el que prácticamente se mueve el mismo grupo de personas trabajando con una oferta de obras muy limitada. Aquí es donde se mide la influencia de los Mugrabi, que prácticamente son obligatorios en cada subasta de arte moderno en Sotheby's y Christie's, ya sea vendiendo, comprando o asesorando a otros ávidos coleccionistas.
Sobre este trabajo Alberto Mugrabi afirma: "En el arte, más que con obras, se lidia con historias. Quien ha tenido la pieza y su procedencia son tan importantes como el trabajo en sí". Otros artistas en los que se han concentrado los Mugrabi incluyen David Hirst, Doris Salcedo y Fernando Botero.
Pero más que una dinámica favorable de oferta y demanda, lo que ha hecho que los Mugrabi prosperen, según Alberto, es que no ven el arte como un negocio, sino como una pasión.
Hace menos de un es, el mundo del arte contemporáneo se sacudió ante un reporte de que los dueños de una de las mayores colecciones privadas de Andy Warhol pensaban venderla por mil millones de dólares al reino de Dubai.
Y aunque el acuerdo no ha sido confirmado, la noticia retumbó especialmente en nuestro país, al conocerse que la familia detrás de la supuesta venta es en buena parte colombiana.
Se trata del israelí José Mugrabi, de 68 años, y sus hijos Alberto, de 36, y David, de 35, los dos nacidos en Colombia. La familia está radicada actualmente en Nueva York, donde se mueve en las altas esferas de coleccionistas y corredores de arte.
José, el mayor de siete hermanos, llegó a Colombia desde Israel, en 1951, cuando apenas tenía 16 años. Se estableció en Bogotá bajo la protección de un tío que ya llevaba años trabajando en el sector textil. Fiel a la reputación de los inmigrantes del Medio Oriente que llegaron al país por esa época, José Mugrabi resultó un gran vendedor.
Esa habilidad le ayudó a avanzar en la industria, donde vendía telas al por mayor y al detal. El negocio prosperó y le permitió amasar una pequeña fortuna. A comienzos de los años 70 se casó con una brasileña, con quien tuvo a Alberto y David. Los dos nacieron en Colombia y estudiaron en el colegio Nueva Granada.
Hacia el año 83, cuando David tenía 12 y Alberto 13 años, José salió de Colombia por tres meses y regresó con la esperanza de que la situación de violencia, que atravesaba el país en ese momento, se terminaría. Pero no fue así.
Después de muchas consideraciones tomó la decisión de viajar a Miami, donde no logró ubicarse, y luego a Nueva York.
En esa ciudad intentó abrirse campo en el sector textil pero se dio cuenta de que la dinámica del mercado era diferente. En Estados Unidos, la gente prefería comprar la ropa hecha en lugar de comprar la tela y mandarla hacer.
Justo cuando estaba tratando de decidir qué hacer en Norteamérica, un amigo que trabajaba en una asesoría de arte al Citibank le propuso comprar, por simple placer, un cuadro de Renoir.
A Mugrabi, que no tenía ni la menor idea de arte, no le sonó muy bien la propuesta. Pero el amigo insistió tanto, que para que no lo molestara más, accedió. El tener ese Renoir en la sala de su casa le abrió la puerta a otro mundo y despertó su gusto por la pintura.
Así que decidió seguir comprando cuadros de artistas impresionistas. Pero romper la barrera del cerrado círculo del arte en Nueva York resultó algo difícil. Además de que la oferta de las obras de los clásicos eran muy escasas, los precios eran astronómicos, fuera del alcance de Mugrabi.
Fue un proceso de aprendizaje fuerte. Pero José se dio cuenta que contaba con una ventaja: el buen ojo que tenía para los textiles, también lo tenía para el arte.
Entonces decidió concentrarse en los artistas del momento. Esta estrategia tenía otra ventaja: las obras estaban valoradas en miles de dólares, no en cientos de miles o millones como los impresionistas.
Aunque para los años 80 Warhol ya había sido descubierto y era exitoso, José Mugrabi, como extranjero, vio en las imágenes del artista un simbolismo mucho más poderoso que el que veía la mayoría de los estadounidenses. Para ellos las latas de sopa Campbell era algo de todos los días.
Además, gracias a que Warhol fue muy prolífico, sus obras no habían alcanzado precios exorbitantes.
Esa fascinación con Warhol, lo llevó a acumular la que se dice es la mayor colección privada del artista. Las obras han sido exhibidas en museos de 20 países en calidad de préstamo.
La valorización del artista estadounidense parece imparable: El Warhol más caro vendido en subasta, un retrato de Mao Tse-Tung, fue comprado en noviembre pasado por 17 millones 400 mil dólares. Y se espera que en mayo su trabajo alcance un nuevo récord cuando 'Green Car Crash' sea subastada en Christie's de Nueva York, empezando en 35 millones de dólares.
Gracias a las visitas a museos y galería desde su adolescencia, los hijos de José, Alberto y David Mugrabi también descubrieron su pasión entre las pinturas.
En el 92, luego de estudiar finanzas en Boston, Alberto se unió al negocio de colección y corretaje de arte, un sector muy exclusivo y en el que prácticamente se mueve el mismo grupo de personas trabajando con una oferta de obras muy limitada. Aquí es donde se mide la influencia de los Mugrabi, que prácticamente son obligatorios en cada subasta de arte moderno en Sotheby's y Christie's, ya sea vendiendo, comprando o asesorando a otros ávidos coleccionistas.
Sobre este trabajo Alberto Mugrabi afirma: "En el arte, más que con obras, se lidia con historias. Quien ha tenido la pieza y su procedencia son tan importantes como el trabajo en sí". Otros artistas en los que se han concentrado los Mugrabi incluyen David Hirst, Doris Salcedo y Fernando Botero.
Pero más que una dinámica favorable de oferta y demanda, lo que ha hecho que los Mugrabi prosperen, según Alberto, es que no ven el arte como un negocio, sino como una pasión.
lunes, abril 23, 2007
La descendencia de La Mona Lisa
Fuente BBC
Se trata de Natalia e Irina Strozzi, hijas del príncipe Girolamo de Toscana. Las hermanas pertenecen a una de las familias más viejas de Italia.
Tienen rostros nobles, lo que se puede ver en sus formas, en sus ojos y tal vez hasta en esa sonrisa extrañamente familiar.
Domenico Savini, el especialista en genealogía, ha estudiado los archivos de la familia y dice que, a través de la línea femenina, puede establecer una relación directa de estas dos mujeres con Lisa Gherardini, la mujer en quien supuestamente se inspiró Da Vinci.
Natalia, quien es actriz, y cuenta con 30 años, dice estar “muy entusiasmada con el hallazgo”
Lo cierto es que las hermanas podrían ser descendientes directas de Lisa Gherardini, pero todavía no hay es evidencias que conecten a esta mujer con el retrato de La Gioconda.
Sin embargo, la identificación definitiva podría estar en camino.
Los investigadores de la obra de Da Vinci creen que Lisa Gherardini fue enterrada en un convento de Florencia donde su hija era monja.
Un historiador de arte que se especializa en medicina forense, se ha ofrecido para buscar sus restos. Si los encuentra, la tecnología moderna podría ayudar a reconstruir su apariencia.
Además, con un simple examen de ADN se determinaría si las hermanas Strozzi tienen realmente motivos para sonreír.
Se trata de Natalia e Irina Strozzi, hijas del príncipe Girolamo de Toscana. Las hermanas pertenecen a una de las familias más viejas de Italia.
Tienen rostros nobles, lo que se puede ver en sus formas, en sus ojos y tal vez hasta en esa sonrisa extrañamente familiar.
Domenico Savini, el especialista en genealogía, ha estudiado los archivos de la familia y dice que, a través de la línea femenina, puede establecer una relación directa de estas dos mujeres con Lisa Gherardini, la mujer en quien supuestamente se inspiró Da Vinci.
Natalia, quien es actriz, y cuenta con 30 años, dice estar “muy entusiasmada con el hallazgo”
Lo cierto es que las hermanas podrían ser descendientes directas de Lisa Gherardini, pero todavía no hay es evidencias que conecten a esta mujer con el retrato de La Gioconda.
Sin embargo, la identificación definitiva podría estar en camino.
Los investigadores de la obra de Da Vinci creen que Lisa Gherardini fue enterrada en un convento de Florencia donde su hija era monja.
Un historiador de arte que se especializa en medicina forense, se ha ofrecido para buscar sus restos. Si los encuentra, la tecnología moderna podría ayudar a reconstruir su apariencia.
Además, con un simple examen de ADN se determinaría si las hermanas Strozzi tienen realmente motivos para sonreír.
viernes, febrero 02, 2007
Los museos apelan a técnicas Google
El proceso de usar palabras clave está asociado principalmente con Internet y los archivos digitales . Ahora, algunos museos quieren seguir el mismo camino para facilitar el acceso a sus colecciones de arte. Y para ello, esperan contar con la ayuda de los usuarios.
La idea es que si las obras se rotulan con palabras simples que describan su contenido, una audiencia más amplia será capaz de encontrarlas. Especialmente ahora que cada vez se digitalizan mas colecciones para subirlas a Internet.
Un estudio del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York reveló que el 90% de las palabras que “catalogadores” voluntarios usaron para describir sus piezas de arte no formaban parte del vocabulario y catalogo oficiales de los curadores expertos.
De hecho, esta idea va en contra de las prácticas de los curadores. Estos agrupan sus piezas según un período histórico o estilo. Pero en los últimos años, algunos museos han replanteado este enfoque.
En 2000, el museo londinense Tate Modern se convirtió en el centro de atención cuando colgó sus cuadros en función de temas.
Ahora, el Metropolitano de Nueva York y el Smithsonian, en Washington, están experimentando con una estrategia parecida para sus colecciones en la Web. Es aquí donde entran los usuarios.
En la colección de fotografías que el Smithsonian exhibe en su página en línea, los usuarios pueden hacer clic en palabras como “agua” o “iglesia” para ver fotos que otros usuarios han catalogado con esos términos. También pueden hacer clic en palabra clave para introducir sus propias palabras de descripción.
La idea es que si las obras se rotulan con palabras simples que describan su contenido, una audiencia más amplia será capaz de encontrarlas. Especialmente ahora que cada vez se digitalizan mas colecciones para subirlas a Internet.
Un estudio del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York reveló que el 90% de las palabras que “catalogadores” voluntarios usaron para describir sus piezas de arte no formaban parte del vocabulario y catalogo oficiales de los curadores expertos.
De hecho, esta idea va en contra de las prácticas de los curadores. Estos agrupan sus piezas según un período histórico o estilo. Pero en los últimos años, algunos museos han replanteado este enfoque.
En 2000, el museo londinense Tate Modern se convirtió en el centro de atención cuando colgó sus cuadros en función de temas.
Ahora, el Metropolitano de Nueva York y el Smithsonian, en Washington, están experimentando con una estrategia parecida para sus colecciones en la Web. Es aquí donde entran los usuarios.
En la colección de fotografías que el Smithsonian exhibe en su página en línea, los usuarios pueden hacer clic en palabras como “agua” o “iglesia” para ver fotos que otros usuarios han catalogado con esos términos. También pueden hacer clic en palabra clave para introducir sus propias palabras de descripción.
martes, noviembre 14, 2006
El Llamado Homosexual de La Naturaleza (Parte II)
Fuente: EFE
Continuamos hablando sobre la exposición que actualmente se lleva a cabo en Noruega, con fotografías de diferentes especies animales teniendo relaciones que algunos consideran homosexuales.
A pesar de la evidencia de estas fotos y la cantidad de pruebas científicas, algunos estudios persisten en negar que los animales puedan tener relaciones homosexuales.
Los investigadores incrédulos definen cualquier acercamiento tierno entre una hembra y un macho como “interés sexual”. Pero un comportamiento físico sexual explícito entre dos machos es reseñado como “una lucha ritual de territorio o poder”.
Por el contrario, el organizador de la exposición, Geir Einar Ellefsen Soeli , cree en la homosexualidad de los animales pero on diferencias con la del hombre. El ser humano pasa por una etapa vital en la que cuestiona su identidad sexual, mientras que el animal simplemente copula porque es placentero.
En Noruega, se han visto ballenas del mismo sexo que se lamen las unas a las otras o se frotan.
El índice de homosexualidad en el reino animal varía desde un 2 a un 15%, según la especie. Se afirma que una clase de loro denominado cacatúa rosa tiene un 44% de ejemplares que mantienen relaciones con su propio género.
Según observadores, los animales que viven en manadas, como lobos, leones o primates, se alían entre sí en una red social compleja, para obtener protección y ayuda de manera recíproca que los une en relaciones de carácter homosexual.
Las causas de la homosexualidad en la fauna salvaje son un misterio. Una teoría apunta a que los animales mantienen relaciones sexuales con los que tienen más cerca. Otra hipótesis indica que contribuye a fortalecer los lazos sociales.
Solei afirmo por ejemplo que los borregos cimarrones de Canadá machos que copulan entre sí son aceptados antes y tienen mayores posibilidades de escalar en la jerarquía que los que limitan sus relaciones al sexo opuesto.
La exposición, que ya ha acogido a unos 8.000 visitantes, estará abierta al público hasta agosto de 2.007.
Continuamos hablando sobre la exposición que actualmente se lleva a cabo en Noruega, con fotografías de diferentes especies animales teniendo relaciones que algunos consideran homosexuales.
A pesar de la evidencia de estas fotos y la cantidad de pruebas científicas, algunos estudios persisten en negar que los animales puedan tener relaciones homosexuales.
Los investigadores incrédulos definen cualquier acercamiento tierno entre una hembra y un macho como “interés sexual”. Pero un comportamiento físico sexual explícito entre dos machos es reseñado como “una lucha ritual de territorio o poder”.
Por el contrario, el organizador de la exposición, Geir Einar Ellefsen Soeli , cree en la homosexualidad de los animales pero on diferencias con la del hombre. El ser humano pasa por una etapa vital en la que cuestiona su identidad sexual, mientras que el animal simplemente copula porque es placentero.
En Noruega, se han visto ballenas del mismo sexo que se lamen las unas a las otras o se frotan.
El índice de homosexualidad en el reino animal varía desde un 2 a un 15%, según la especie. Se afirma que una clase de loro denominado cacatúa rosa tiene un 44% de ejemplares que mantienen relaciones con su propio género.
Según observadores, los animales que viven en manadas, como lobos, leones o primates, se alían entre sí en una red social compleja, para obtener protección y ayuda de manera recíproca que los une en relaciones de carácter homosexual.
Las causas de la homosexualidad en la fauna salvaje son un misterio. Una teoría apunta a que los animales mantienen relaciones sexuales con los que tienen más cerca. Otra hipótesis indica que contribuye a fortalecer los lazos sociales.
Solei afirmo por ejemplo que los borregos cimarrones de Canadá machos que copulan entre sí son aceptados antes y tienen mayores posibilidades de escalar en la jerarquía que los que limitan sus relaciones al sexo opuesto.
La exposición, que ya ha acogido a unos 8.000 visitantes, estará abierta al público hasta agosto de 2.007.
El Llamado Homosexual de La Naturaleza (Parte I)
Fuente: EFE
Una exposición fotográfica titulada '¿Contrario a la Naturaleza?' muestra en el Museo de Historia Natural de Oslo las tendencias homosexuales de insectos, perros, gatos, loros e incluso pulpos, entre 1.500 especies animales. La muestra es la primera que examina en profundidad el tema de la homosexualidad en el reino animal, pese a ser un fenómeno conocido desde la antigüedad.
La exposición, que ha despertado un gran interés de público, pretende contribuir a la desmitificación de la homosexualidad en el ser humano, dada nuestra condición animal.
El filósofo griego Aristóteles ya habia contemplado casos de lesbianismo en un grupo de hienas. Sin embargo, la ciencia ha dedicado escasa atención al fenómeno por razones que varían desde la censura religiosa al escepticismo.
El organizador de la exposición, el biólogo noruego Geir Einar Ellefsen Soeli, comento: "Nos basamos en una serie de artículos científicos y observaciones que muestran que animales del mismo sexo copulan entre sí",
Los científicos advierten que la homosexualidad en animales está más extendida de lo que se cree, aunque es distinta a la del ser humano,.
"No se puede afirmar que sea igual a la del hombre, aunque se parece. En el hombre es un estado emocional", indicó Soeli, agregando que, "sostener que un individuo es homosexual requiere un seguimiento continuado. Estudiarlo desde que nace hasta que muere, lo que dificulta la tarea científica".
El museo de Oslo exhibe fotografías y modelos de 1.500 especies, que incluyen insectos, arañas, moluscos, gusanos, aves y todo tipo de mamíferos en los que se detectado un comportamiento homosexual.
Muchos de los animales son bisexuales aunque algunos son exclusivamente homosexuales.
Una de cada cinco parejas de pingüinos reales en cautividad son del mismo sexo, los machos de las morsas copulan con otros machos y con las hembras durante la temporada de apareamiento, en verano, y hay orcas a las que sólo les gusta su mismo sexo, aseguró Soeli.
La homosexualidad en animales domésticos como gatos, perros y loros es más sencilla de observar porque se producen erecciones, aunque no hay por qué creer que cuando un can macho se frota contra la pierna de su amo masculino, el animal o el propietario son gays, bromeó el científico.
Una exposición fotográfica titulada '¿Contrario a la Naturaleza?' muestra en el Museo de Historia Natural de Oslo las tendencias homosexuales de insectos, perros, gatos, loros e incluso pulpos, entre 1.500 especies animales. La muestra es la primera que examina en profundidad el tema de la homosexualidad en el reino animal, pese a ser un fenómeno conocido desde la antigüedad.
La exposición, que ha despertado un gran interés de público, pretende contribuir a la desmitificación de la homosexualidad en el ser humano, dada nuestra condición animal.
El filósofo griego Aristóteles ya habia contemplado casos de lesbianismo en un grupo de hienas. Sin embargo, la ciencia ha dedicado escasa atención al fenómeno por razones que varían desde la censura religiosa al escepticismo.
El organizador de la exposición, el biólogo noruego Geir Einar Ellefsen Soeli, comento: "Nos basamos en una serie de artículos científicos y observaciones que muestran que animales del mismo sexo copulan entre sí",
Los científicos advierten que la homosexualidad en animales está más extendida de lo que se cree, aunque es distinta a la del ser humano,.
"No se puede afirmar que sea igual a la del hombre, aunque se parece. En el hombre es un estado emocional", indicó Soeli, agregando que, "sostener que un individuo es homosexual requiere un seguimiento continuado. Estudiarlo desde que nace hasta que muere, lo que dificulta la tarea científica".
El museo de Oslo exhibe fotografías y modelos de 1.500 especies, que incluyen insectos, arañas, moluscos, gusanos, aves y todo tipo de mamíferos en los que se detectado un comportamiento homosexual.
Muchos de los animales son bisexuales aunque algunos son exclusivamente homosexuales.
Una de cada cinco parejas de pingüinos reales en cautividad son del mismo sexo, los machos de las morsas copulan con otros machos y con las hembras durante la temporada de apareamiento, en verano, y hay orcas a las que sólo les gusta su mismo sexo, aseguró Soeli.
La homosexualidad en animales domésticos como gatos, perros y loros es más sencilla de observar porque se producen erecciones, aunque no hay por qué creer que cuando un can macho se frota contra la pierna de su amo masculino, el animal o el propietario son gays, bromeó el científico.
jueves, noviembre 02, 2006
El Cuadro Más Caro De La Historia
Fuente: The New York Times
Un óleo del pintor austríaco Gustav Klimt reemplazó a un Picasso como el cuadro más caro de la historia.
La galería neoyorquina Neue adquirió el "Retrato de Adele Bloch-Bauer", un óleo de 1907, por 135 millones de dólares, lo que supera los 104 pagados hace dos años por el "Muchacho con pipa", del malagueño Pablo Picasso.
Según The New York Times la cifra la abonó el magnate Ronald S. Lauder, que además del emporio de los cosméticos que lleva su nombre, fundó hace cinco años la Neue Galerie, dedicada al arte alemán y austriaco.
Adele Bloch-Bauer, la protagonista de la obra, era la esposa de un industrial judío de la industria azucarera. El retrato, que es considerado una de las obras maestras de Klimt. fue causa de disputa entre el gobierno de Austria y una sobrina de Bloch-Bauer.
Maria Altmann, residenciada en Los Ángeles, y otros integrantes de la familia Bloch-Bauer, defendían la propiedad del óleo, que había sido incautado por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.
Los Bloch-Bauer tuvieron que huir del país europeo cuando los nazis tomaron el poder en 1938.
Un tribunal en Viena dictaminó en enero pasado que la custodia de la obra, junto con otras cuatro también incautadas por los nazis, fuera entregada a su familia.
Una ley austriaca de 1998 establece que los museos deben devolver las obras confiscadas por los nazis.
El retrato está exhibido en la Neue Galerie desde el mes agosto.
El gobierno austríaco -que inicialmente se negó a devolver la pintura- consideró la obra demasiado cara para adquirirla.
El lote de obras devuelto por el gobierno de Austria, incluye tres paisajes de Klimt titulados "Manzano"), "Buchenwald/Birkenwald", y“Casas en Unterach, a orillas del lago Aterres”.
Un óleo del pintor austríaco Gustav Klimt reemplazó a un Picasso como el cuadro más caro de la historia.
La galería neoyorquina Neue adquirió el "Retrato de Adele Bloch-Bauer", un óleo de 1907, por 135 millones de dólares, lo que supera los 104 pagados hace dos años por el "Muchacho con pipa", del malagueño Pablo Picasso.
Según The New York Times la cifra la abonó el magnate Ronald S. Lauder, que además del emporio de los cosméticos que lleva su nombre, fundó hace cinco años la Neue Galerie, dedicada al arte alemán y austriaco.
Adele Bloch-Bauer, la protagonista de la obra, era la esposa de un industrial judío de la industria azucarera. El retrato, que es considerado una de las obras maestras de Klimt. fue causa de disputa entre el gobierno de Austria y una sobrina de Bloch-Bauer.
Maria Altmann, residenciada en Los Ángeles, y otros integrantes de la familia Bloch-Bauer, defendían la propiedad del óleo, que había sido incautado por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.
Los Bloch-Bauer tuvieron que huir del país europeo cuando los nazis tomaron el poder en 1938.
Un tribunal en Viena dictaminó en enero pasado que la custodia de la obra, junto con otras cuatro también incautadas por los nazis, fuera entregada a su familia.
Una ley austriaca de 1998 establece que los museos deben devolver las obras confiscadas por los nazis.
El retrato está exhibido en la Neue Galerie desde el mes agosto.
El gobierno austríaco -que inicialmente se negó a devolver la pintura- consideró la obra demasiado cara para adquirirla.
El lote de obras devuelto por el gobierno de Austria, incluye tres paisajes de Klimt titulados "Manzano"), "Buchenwald/Birkenwald", y“Casas en Unterach, a orillas del lago Aterres”.
martes, octubre 31, 2006
El Museo Bode Está de Vuelta
Fuente: Terra.es
En Berlín, Alemania, se acaba de reabrir uno de los museos más ricos y anárquicos del mundo, el museo Bode
Su impresionante cúpula resalta entre las orillas del río Spree, y en medio del centro de Berlín; con su re-inauguración son accesibles ahora las cinco instituciones que forman la llamada "Isla de los Museos" de Berlín, el mayor complejo de su tipo del mundo.
El Museo e Bode tiene la mayor colección de esculturas del mundo, desde el medioevo hasta fines del siglo XVIII.
Se destacan piezas del arte bizantino, obras del barroco y el renacimiento italiano, holandés, alemán, español. También se encuentra la mayor colección de monedas y medallas del planeta.
66 salas con 1.700 esculturas y pequeñas obras, más 150 pinturas y las 4.000 monedas no son tarea fácil para una visita; menos aún porque el museo no tiene rutas organizadas para recorrerlo.
Dicen los que ya lo conocieron, que de repente se camina, se topa con una pequeña puerta, que podría ser, una salida de emergencia, la entrada a los baños o una esplendorosa nueva sala.
Los críticos advierten que el mayor encanto de este Museo Bode es el de evitar los nombres geniales e invitar más bien a las obras geniales.
Las historias del cristianismo y de la mitología greco-latina son los grandes personajes de la colección de esculturas, algunas rigurosas y trágicas, otras sorprendentemente sensuales.
La colección de monedas es un curioso viaje a las costumbres comerciales de los hombres.
Hay piezas tan complejamente elaboradas que cuesta trabajo pensar que se pudieran hacer dos de ellas.
Hay otras enormes, como una moneda sueca del siglo XVII de 15 kilos y medio y 1 metro de largo. También hay otra de Asia central apenas visible y acuñada 600 años antes de Cristo.
Con la apertura del Museo Bode son por fin accesibles los cinco grandes museos de la llamada "Isla de los Museos" de Berlín.
El Pergamon, el Viejo y Nuevo Museo, la Vieja Galería Nacional y el Museo Bode mismo, todos, dentro de una superficie de 60 mil metros cuadrados en el centro de esta ciudad alemana.
Se espera que por lo menos 12.000 personas por día visiten el complejo de museos.
En Berlín, Alemania, se acaba de reabrir uno de los museos más ricos y anárquicos del mundo, el museo Bode
Su impresionante cúpula resalta entre las orillas del río Spree, y en medio del centro de Berlín; con su re-inauguración son accesibles ahora las cinco instituciones que forman la llamada "Isla de los Museos" de Berlín, el mayor complejo de su tipo del mundo.
El Museo e Bode tiene la mayor colección de esculturas del mundo, desde el medioevo hasta fines del siglo XVIII.
Se destacan piezas del arte bizantino, obras del barroco y el renacimiento italiano, holandés, alemán, español. También se encuentra la mayor colección de monedas y medallas del planeta.
66 salas con 1.700 esculturas y pequeñas obras, más 150 pinturas y las 4.000 monedas no son tarea fácil para una visita; menos aún porque el museo no tiene rutas organizadas para recorrerlo.
Dicen los que ya lo conocieron, que de repente se camina, se topa con una pequeña puerta, que podría ser, una salida de emergencia, la entrada a los baños o una esplendorosa nueva sala.
Los críticos advierten que el mayor encanto de este Museo Bode es el de evitar los nombres geniales e invitar más bien a las obras geniales.
Las historias del cristianismo y de la mitología greco-latina son los grandes personajes de la colección de esculturas, algunas rigurosas y trágicas, otras sorprendentemente sensuales.
La colección de monedas es un curioso viaje a las costumbres comerciales de los hombres.
Hay piezas tan complejamente elaboradas que cuesta trabajo pensar que se pudieran hacer dos de ellas.
Hay otras enormes, como una moneda sueca del siglo XVII de 15 kilos y medio y 1 metro de largo. También hay otra de Asia central apenas visible y acuñada 600 años antes de Cristo.
Con la apertura del Museo Bode son por fin accesibles los cinco grandes museos de la llamada "Isla de los Museos" de Berlín.
El Pergamon, el Viejo y Nuevo Museo, la Vieja Galería Nacional y el Museo Bode mismo, todos, dentro de una superficie de 60 mil metros cuadrados en el centro de esta ciudad alemana.
Se espera que por lo menos 12.000 personas por día visiten el complejo de museos.
lunes, octubre 30, 2006
El Codazo Que Rompió Un Picasso
Fuente: The New York Times
Un magnate de casinos en Estados Unidos tuvo que anular la venta finalizada de su Picasso, valorado en $139 millones de dólares, después de que, de un codazo, abriera accidentalmente un agujero en el centro del cuadro.
El incidente ocurrió cuando Steve Wynn mostraba el cuadro Le Reve -El Sueño- del famoso pintor español a huéspedes en su oficina de Las Vegas el mes pasado.
El magnate, que tiene problemas de visión periférica y es conocido por gesticular con las manos al hablar, rompió el cuadro dejando un orificio del tamaño de una moneda.
Así la venta previamente acordada tuvo que ser cancelada.
El norteamericano conservará la pintura que compró en 1997 por $48 millones 400 mil dólares e intentará repararla.
El cuadro, pintado en 1932, es un retrato de Marie-Thérèse Walter, amante del pintor.
El precio de $139 millones de dólares hubiera sobrepasado por$4 millones al anterior record por la venta de un cuadro entre coleccionistas privados. En julio pasado, el retrato de Adele Bloch-Bauer, pintado en 1907 por Gustav Klimt, fue vendido por US$135 millones.
El cuadro Muchacho con Pipa de Pablo Picasso, por el que se pagó $104 millones 100 mil dólares en 2004, mantiene el record del mayor precio alcanzado por una pieza de arte vendida en subasta.
Wynn es un prominente coleccionista de arte que construyó los famosos balnearios The Mirage y Bellagio en Las Vegas en la década de los 90.
Un magnate de casinos en Estados Unidos tuvo que anular la venta finalizada de su Picasso, valorado en $139 millones de dólares, después de que, de un codazo, abriera accidentalmente un agujero en el centro del cuadro.
El incidente ocurrió cuando Steve Wynn mostraba el cuadro Le Reve -El Sueño- del famoso pintor español a huéspedes en su oficina de Las Vegas el mes pasado.
El magnate, que tiene problemas de visión periférica y es conocido por gesticular con las manos al hablar, rompió el cuadro dejando un orificio del tamaño de una moneda.
Así la venta previamente acordada tuvo que ser cancelada.
El norteamericano conservará la pintura que compró en 1997 por $48 millones 400 mil dólares e intentará repararla.
El cuadro, pintado en 1932, es un retrato de Marie-Thérèse Walter, amante del pintor.
El precio de $139 millones de dólares hubiera sobrepasado por$4 millones al anterior record por la venta de un cuadro entre coleccionistas privados. En julio pasado, el retrato de Adele Bloch-Bauer, pintado en 1907 por Gustav Klimt, fue vendido por US$135 millones.
El cuadro Muchacho con Pipa de Pablo Picasso, por el que se pagó $104 millones 100 mil dólares en 2004, mantiene el record del mayor precio alcanzado por una pieza de arte vendida en subasta.
Wynn es un prominente coleccionista de arte que construyó los famosos balnearios The Mirage y Bellagio en Las Vegas en la década de los 90.
viernes, octubre 27, 2006
Andy Warhol (Parte III)
Fuente: Enciclopedia of Pop Culture
Continuamos en CULTURA GENERAL con Andy Warhol. El artista al que se le puede atribuir la creación del concepto “pop”
La fama era su obsesión. Entre más alto estuviera una persona para alcanzarla mas trabajaba para estar al lado de ella. Esto además era una excelente estrategia de negocios, pues los principales ingresos ya los generaba pintando con su estilo único los retratos de los famosos.
Así que al mejor estilo de su obra en la que pintó a Marylin Monroe, Elvis Presley, Liz Taylor y Marlon Brando, nuevos ricos y nuevos famosos querían pasar por la óptica particular de Warhol. Entre ellos la modelo Bianca Jagger, el diseñador Halston, el Shah de Irán, la ex presidente de Filipinas Imelda Marcos Jackeline Keneddy y Carolina Herrera.
Warhol era homosexual declarado. En "Los Diarios de Warhol" admite públicamente tener una serie de romances con varios hombres. Sin embargo, al comienzo de su carrera, insinúa haber tenido novias, incluyendo una conocida a la que llama "Taxi", que se suponía no se bañaba por largos períodos.
A Andy Warhol también se le debe la creación de las llamadas “Cápsulas del Tiempo” en donde guardaba cosas cotidianas en cajas de cartón. Antes de morir tenía acumuladas más de 600 cápsulas.
Pero su legado conceptual lo empezó a plasmar en su primer libro The Philosophy of Andy Warhol publicado en 1.975. En la década de los 80 hace una exploración a la historia del arte universal, pintando detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci y Boticcelli . Además pintó lo que serían sus últimas obras: retratos de Lenin y Mao Tse Tung y varios autorretratos.
Tras una inesperada complicación en una operación de vejiga, Andy Warhol murió en 1.987 a la edad de 59 años en su lujoso apartamento de Nueva York.
Warhol había acumulado tantas pertenencias que tomó nueve días a la casa de subastas Sotheby's rematar su propiedad por más $20 millones de dólares.
Warhol creó el concepto de “pop”, el que obviamente ha originado la CULTURA POP. Pero más que eso, era un fabricante de celebridad instantánea: “todo el mundo tenía derecho a sus 15 minutos de fama”
Continuamos en CULTURA GENERAL con Andy Warhol. El artista al que se le puede atribuir la creación del concepto “pop”
La fama era su obsesión. Entre más alto estuviera una persona para alcanzarla mas trabajaba para estar al lado de ella. Esto además era una excelente estrategia de negocios, pues los principales ingresos ya los generaba pintando con su estilo único los retratos de los famosos.
Así que al mejor estilo de su obra en la que pintó a Marylin Monroe, Elvis Presley, Liz Taylor y Marlon Brando, nuevos ricos y nuevos famosos querían pasar por la óptica particular de Warhol. Entre ellos la modelo Bianca Jagger, el diseñador Halston, el Shah de Irán, la ex presidente de Filipinas Imelda Marcos Jackeline Keneddy y Carolina Herrera.
Warhol era homosexual declarado. En "Los Diarios de Warhol" admite públicamente tener una serie de romances con varios hombres. Sin embargo, al comienzo de su carrera, insinúa haber tenido novias, incluyendo una conocida a la que llama "Taxi", que se suponía no se bañaba por largos períodos.
A Andy Warhol también se le debe la creación de las llamadas “Cápsulas del Tiempo” en donde guardaba cosas cotidianas en cajas de cartón. Antes de morir tenía acumuladas más de 600 cápsulas.
Pero su legado conceptual lo empezó a plasmar en su primer libro The Philosophy of Andy Warhol publicado en 1.975. En la década de los 80 hace una exploración a la historia del arte universal, pintando detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci y Boticcelli . Además pintó lo que serían sus últimas obras: retratos de Lenin y Mao Tse Tung y varios autorretratos.
Tras una inesperada complicación en una operación de vejiga, Andy Warhol murió en 1.987 a la edad de 59 años en su lujoso apartamento de Nueva York.
Warhol había acumulado tantas pertenencias que tomó nueve días a la casa de subastas Sotheby's rematar su propiedad por más $20 millones de dólares.
Warhol creó el concepto de “pop”, el que obviamente ha originado la CULTURA POP. Pero más que eso, era un fabricante de celebridad instantánea: “todo el mundo tenía derecho a sus 15 minutos de fama”
Andy Warhol (Parte II)
Fuente: Enciclopedia of Pop Culture
Continuamos con ANDY WARHOL, el artista que afirmaba que “todas las personas serán famosas al menos por 15 minutos.”
El mundo de Andy Warhol estaba conformado por Superestrellas de su creación. Estas no solo estaban en su obra sino que literalmente lo acompañaban a toda parte. Era común ver llegar a Warhol a fiestas con la banda de rock Velvet Underground, el actor Edie Sedwick, o el grupo de teatro Exploding Plastic Inevitable, quienes en ocasiones adornaban la fiesta con su talento o con la ausencia del mismo. Viajar en grupo le servía Warhol para ocultar su timidez, sentirse muy popular y evitar la prensa y el público.
La noción de transformar gente del común en superestrellas fue el invento más notable de Warhol. Desde su lógica, lo único que se requería para ser famoso era tener una actitud adecuada. Gordos, Gordas, calvos, escuálidos, personas de grandes anteojos como el y jóvenes invadidos por el acné podían llegar a elevarse al status del estrellato como alternativa a la gente hermosa.
Warhol reclamaba “Quiero ser Matisse. Quiero ser tan famoso como la reina de Inglaterra.” Este fue el principio de la llamada “Celebridad irónica” la cual ha influenciado los medios hasta nuestros días y en los que vemos a un contador público o a un recolector de basuras compartir el se de un show de televisión con una verdadera celebridad como Cher.
Para los 70, Warhol ya era un hombre muy rico quien además se había vuelto paranoico por un intento de asesinato de Valerie Solanas, una de sus superestrellas. Además había dejado atrás las Superestrellas de su creación contracultural y empezó a rondar y además a ser cortejado por famosos reales y millonarios. El artista era considerado la mascota más codiciada del jet set y estaba socialmente muy bien conectado.
Continuamos con ANDY WARHOL, el artista que afirmaba que “todas las personas serán famosas al menos por 15 minutos.”
El mundo de Andy Warhol estaba conformado por Superestrellas de su creación. Estas no solo estaban en su obra sino que literalmente lo acompañaban a toda parte. Era común ver llegar a Warhol a fiestas con la banda de rock Velvet Underground, el actor Edie Sedwick, o el grupo de teatro Exploding Plastic Inevitable, quienes en ocasiones adornaban la fiesta con su talento o con la ausencia del mismo. Viajar en grupo le servía Warhol para ocultar su timidez, sentirse muy popular y evitar la prensa y el público.
La noción de transformar gente del común en superestrellas fue el invento más notable de Warhol. Desde su lógica, lo único que se requería para ser famoso era tener una actitud adecuada. Gordos, Gordas, calvos, escuálidos, personas de grandes anteojos como el y jóvenes invadidos por el acné podían llegar a elevarse al status del estrellato como alternativa a la gente hermosa.
Warhol reclamaba “Quiero ser Matisse. Quiero ser tan famoso como la reina de Inglaterra.” Este fue el principio de la llamada “Celebridad irónica” la cual ha influenciado los medios hasta nuestros días y en los que vemos a un contador público o a un recolector de basuras compartir el se de un show de televisión con una verdadera celebridad como Cher.
Para los 70, Warhol ya era un hombre muy rico quien además se había vuelto paranoico por un intento de asesinato de Valerie Solanas, una de sus superestrellas. Además había dejado atrás las Superestrellas de su creación contracultural y empezó a rondar y además a ser cortejado por famosos reales y millonarios. El artista era considerado la mascota más codiciada del jet set y estaba socialmente muy bien conectado.
Andy Warhol (Parte I)
Fuente: Enciclopedia of Pop Culture
Dos hechos sobresalientes se relacionan con nuestro invitado de hoy: Fue el artista quien legitimó la palabra “POP” en los 60 y el creador de La celebridad instantánea. Esta se plasmó con una frase aparecida en un catálogo de su obra preparado para una exposición; esta decía: “En el futuro todas las personas serán famosas al menos por 15 minutos.”
Ya sabrán entonces a quien me refiero: Andy Warhol. Nadie entendía mejor que él la naturaleza de la celebridad moderna. Su obra estuvo marcada por magnificar clichés convirtiéndolos en conceptos de glamour y gran reconocimiento.
Todo lo que lo rodeaba lo convertía con su pincel, su cámara o su grabadora en un firmamento brillante de lujo y buen gusto. Desde una lata de sopa Campbells o una caja de betún, pasando por una galaxia de drag queens y bellas mujeres hasta alucinantes como los poppers. En su mundo cualquier persona o cualquier cosa podía ser famosa.
Los 15 minutos que le correspondían a Warhol comenzaron a gestarse a principios de los 60 cuando dejó su carrera como ilustrador de moda, para comenzar a pintar grandes y brillantes lienzos sobre Elvis, Elizabeth Taylor y Coca Cola. Su acenso fue meteórico y a diferencia de otros creadores expresionistas abstractos de la época, Warhol se vendía asimismo como alguien muy popular y divertido.
Nacido en Pittsburg e hijo de inmigrantes europeos, Andy siempre tuvo especial fascinación con las fábricas y los productos. De hecho a su estudio siempre lo llamó “la Fábrica” y sus productos eran las celebridades desechables. Y a esas celebridades las llamaba “Superestrellas”, un término también traído por él a la CULTURA POP.
La primera “superestrella” de Warhol fue una desconocida llamada Naomi Levine, a quien el artista le había hecho un casting para un documental llamado “Tarzan and Jane Revisited”. Después de ella, llegaron una serie de “Superestrellas” las cuales en su mayoría tenían en común la carencia de talento. Pero eso no importaba, Warhol las ponía en su fábrica primero en pintura y luego en cine y eso bastaba para tener 15 minutos de fama.
Dos hechos sobresalientes se relacionan con nuestro invitado de hoy: Fue el artista quien legitimó la palabra “POP” en los 60 y el creador de La celebridad instantánea. Esta se plasmó con una frase aparecida en un catálogo de su obra preparado para una exposición; esta decía: “En el futuro todas las personas serán famosas al menos por 15 minutos.”
Ya sabrán entonces a quien me refiero: Andy Warhol. Nadie entendía mejor que él la naturaleza de la celebridad moderna. Su obra estuvo marcada por magnificar clichés convirtiéndolos en conceptos de glamour y gran reconocimiento.
Todo lo que lo rodeaba lo convertía con su pincel, su cámara o su grabadora en un firmamento brillante de lujo y buen gusto. Desde una lata de sopa Campbells o una caja de betún, pasando por una galaxia de drag queens y bellas mujeres hasta alucinantes como los poppers. En su mundo cualquier persona o cualquier cosa podía ser famosa.
Los 15 minutos que le correspondían a Warhol comenzaron a gestarse a principios de los 60 cuando dejó su carrera como ilustrador de moda, para comenzar a pintar grandes y brillantes lienzos sobre Elvis, Elizabeth Taylor y Coca Cola. Su acenso fue meteórico y a diferencia de otros creadores expresionistas abstractos de la época, Warhol se vendía asimismo como alguien muy popular y divertido.
Nacido en Pittsburg e hijo de inmigrantes europeos, Andy siempre tuvo especial fascinación con las fábricas y los productos. De hecho a su estudio siempre lo llamó “la Fábrica” y sus productos eran las celebridades desechables. Y a esas celebridades las llamaba “Superestrellas”, un término también traído por él a la CULTURA POP.
La primera “superestrella” de Warhol fue una desconocida llamada Naomi Levine, a quien el artista le había hecho un casting para un documental llamado “Tarzan and Jane Revisited”. Después de ella, llegaron una serie de “Superestrellas” las cuales en su mayoría tenían en común la carencia de talento. Pero eso no importaba, Warhol las ponía en su fábrica primero en pintura y luego en cine y eso bastaba para tener 15 minutos de fama.
jueves, octubre 12, 2006
La Sensibilidad de Hitler
La semana anterior se llevó a cabo en el sur de Inglaterra una millonaria subasta de varias acuarelas de Adolf Hitler, pintadas cuando servía en el Ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial y luego ocultas por más de 60 años.
Aunque suene extraño, el tirano y genocida tenía un lado sensible el cual trató de cultivarlo en la pintura.
La mayor venta de obras de Hitler en muchos años, atrajo coleccionistas de Rusia, Estados Unidos y Sudáfrica, a pesar de las dudas sobre si era adecuado subastar obras del artífice del Holocausto.
Las pinturas de Hitler de escenas rurales en la frontera de Bélgica y Francia fueron ofrecidas a Jefferys después de que la casa subastara una acuarela por 10.000 dólares en noviembre de 2005.
Una anciana en Bélgica, que quiso permanecer en el anonimato, se comunicó con la compañía y ofreció la venta de 21 obras que habían sido halladas en los 80 en un ático de una casa cercana a Huy.
Dos refugiados de Francia, que aparentemente volvían a su casa, habían dejado una caja sellada allí en 1919, un año después del fin de la guerra, con las acuarelas dentro.
Las obras llevan la firma AH y Adolf Hitler. Hitler había pasado "períodos de descanso" cerca de Le Quesnoy en los inviernos de 1917 y 1918, según un historiador al que se pidió que viera la procedencia de las pinturas.
Un especialista en arte concluyó en 1986 que las firmas parecían auténticas, aunque el patrón de las pinturas no era tan alto como anteriores obras de Hitler, quizás debido al material y a las condiciones psicológicas.
El dirigente nazi mostró su talento artístico en Austria, cuando era niño, y quiso ser artista. Fue rechazado en dos ocasiones por la Academia de Bellas Artes de Viena. A pesar de su fracaso, decidió quedarse en Viena, viviendo de la venta de sus pinturas con grandes dificultades económicas, para seguir pintando y presentarse a un segundo examen de ingreso, que no llegó a realizar nunca.
Hitler fue un mal estudiante en el colegio que siempre mostró interés por el dibujo, dilapidando cientos de horas leyendo novelas de aventuras.
Las riñas con su padre eran continuas. Alois, con 63 años, se sentía desesperado ante la pereza e indisciplina de su hijo. Adolf Hitler recordaba de la siguiente manera la discusión con su padre cuando le propuso abandonar la escuela para dedicarse a los estudios artísticos: “Mi padre se quedó atónito. Asombrado, exclamó:
-¿Un pintor?, ¿un artista…?
Pensó que estaba loco o que no había oído correctamente mis palabras o, quizás, que las había malinterpretado. Pero cuando le expliqué mis ideas y lo serio de mi decisión se opuso con la tenaz determinación que le caracterizaba.
-¡Artista! No, mientras yo viva, ¡nunca!”
El Fuhrer perdió a su padre dos años después. Tras la muerte de su progenitor, sus estudios fueron de mal en peor, dedicándose a dibujar planos para la remodelación urbanística de Linz y pintando acuarelas y postales que le reportaron ingresos cuando dejó de percibir su pensión paterna.
Es una verdadera lástima para la humanidad que lo hubieran rechazado en la academia de Bellas Artes.
Aunque suene extraño, el tirano y genocida tenía un lado sensible el cual trató de cultivarlo en la pintura.
La mayor venta de obras de Hitler en muchos años, atrajo coleccionistas de Rusia, Estados Unidos y Sudáfrica, a pesar de las dudas sobre si era adecuado subastar obras del artífice del Holocausto.
Las pinturas de Hitler de escenas rurales en la frontera de Bélgica y Francia fueron ofrecidas a Jefferys después de que la casa subastara una acuarela por 10.000 dólares en noviembre de 2005.
Una anciana en Bélgica, que quiso permanecer en el anonimato, se comunicó con la compañía y ofreció la venta de 21 obras que habían sido halladas en los 80 en un ático de una casa cercana a Huy.
Dos refugiados de Francia, que aparentemente volvían a su casa, habían dejado una caja sellada allí en 1919, un año después del fin de la guerra, con las acuarelas dentro.
Las obras llevan la firma AH y Adolf Hitler. Hitler había pasado "períodos de descanso" cerca de Le Quesnoy en los inviernos de 1917 y 1918, según un historiador al que se pidió que viera la procedencia de las pinturas.
Un especialista en arte concluyó en 1986 que las firmas parecían auténticas, aunque el patrón de las pinturas no era tan alto como anteriores obras de Hitler, quizás debido al material y a las condiciones psicológicas.
El dirigente nazi mostró su talento artístico en Austria, cuando era niño, y quiso ser artista. Fue rechazado en dos ocasiones por la Academia de Bellas Artes de Viena. A pesar de su fracaso, decidió quedarse en Viena, viviendo de la venta de sus pinturas con grandes dificultades económicas, para seguir pintando y presentarse a un segundo examen de ingreso, que no llegó a realizar nunca.
Hitler fue un mal estudiante en el colegio que siempre mostró interés por el dibujo, dilapidando cientos de horas leyendo novelas de aventuras.
Las riñas con su padre eran continuas. Alois, con 63 años, se sentía desesperado ante la pereza e indisciplina de su hijo. Adolf Hitler recordaba de la siguiente manera la discusión con su padre cuando le propuso abandonar la escuela para dedicarse a los estudios artísticos: “Mi padre se quedó atónito. Asombrado, exclamó:
-¿Un pintor?, ¿un artista…?
Pensó que estaba loco o que no había oído correctamente mis palabras o, quizás, que las había malinterpretado. Pero cuando le expliqué mis ideas y lo serio de mi decisión se opuso con la tenaz determinación que le caracterizaba.
-¡Artista! No, mientras yo viva, ¡nunca!”
El Fuhrer perdió a su padre dos años después. Tras la muerte de su progenitor, sus estudios fueron de mal en peor, dedicándose a dibujar planos para la remodelación urbanística de Linz y pintando acuarelas y postales que le reportaron ingresos cuando dejó de percibir su pensión paterna.
Es una verdadera lástima para la humanidad que lo hubieran rechazado en la academia de Bellas Artes.
martes, octubre 10, 2006
Los Nuevos Enigmas de la Mona Lisa
La Gioconda es quizás la obra de arte más analizada en la historia de la humanidad. Cientos de artículos, libros y películas se han hecho tratando de descifrar los secretos que esconde el cuadro de Da Vinci.
Recientemente un grupo canadiense de antropólogos, curadores de arte e historiadores han llegado a nuevas conclusiones sobre la sonrisa y en general la pose de la famosa Mona lisa.
Su hallazgo principal es que La Mona Lisa estaba embarazada o había dado a luz poco tiempo antes de posar para Leonardo da Vinci. Además llevaba puesto un vestido maternal y tenía le pelo recogido en un moño.
El estudio ha desvelado los misterios a partir de imágenes digitales en tres dimensiones que obtuvieron gracias a un escáner láser. La exploración en tres dimensiones reveló que el vestido de la Mona Lisa estaba cubierto por un fino velo transparente, típico en Italia a comienzos del sigo XVI en las mujeres que estaban embarazadas o que acababan de dar a luz. Además afirman, sin ninguna prueba clara en este aspecto, que fue pintada originalmente con su cabello atado en un moño, aunque hoy aparezca suelto sobre sus hombros. El líder del proyecto de investigación, Bruno Mottin indicó que “La revelación pone fin a una vieja controversia, porque solo las niñas o mujeres de mala reputación usaban su cabello suelto en Italia en esa época”. Explicó además que la Mona Lisa verdadera era una mujer de estrato social alto. La Mona Lisa real tuvo tres hijos. Da Vinci recibió el pedido del acaudalado empresario florentino Francesco del Giocondo para que pintara a su esposa entre 1503 y 1506, luego del nacimiento de su segundo hijo, pero el pintor se quedó con la obra y trabajó en ella hasta su muerte, cambiando su cabello y otros aspectos del cuadro. En la Mona Lisa original, la mujer agarra su silla más firmemente, y no está recostada contra la silla, como algunos creían, sino sentada derecha, mostraron los resultados del scanner.
Los investigadores también obtuvieron datos sobre la técnica de pintura de Da Vinci, incluida su famoso sfumato o técnica de difuminación de los contornos. Los intelectuales identificaron una falta de pinceladas, sugiriendo que Da Vinci podría haber usado sus dedos para pintar, pero tampoco aparecen huellas en la obra.En definitiva, la sonrisa de la Gioconda esconde un secreto que supera los hallazgos de cualquier grupo de expertos y la ficción de autores como Dan Brown.
Recientemente un grupo canadiense de antropólogos, curadores de arte e historiadores han llegado a nuevas conclusiones sobre la sonrisa y en general la pose de la famosa Mona lisa.
Su hallazgo principal es que La Mona Lisa estaba embarazada o había dado a luz poco tiempo antes de posar para Leonardo da Vinci. Además llevaba puesto un vestido maternal y tenía le pelo recogido en un moño.
El estudio ha desvelado los misterios a partir de imágenes digitales en tres dimensiones que obtuvieron gracias a un escáner láser. La exploración en tres dimensiones reveló que el vestido de la Mona Lisa estaba cubierto por un fino velo transparente, típico en Italia a comienzos del sigo XVI en las mujeres que estaban embarazadas o que acababan de dar a luz. Además afirman, sin ninguna prueba clara en este aspecto, que fue pintada originalmente con su cabello atado en un moño, aunque hoy aparezca suelto sobre sus hombros. El líder del proyecto de investigación, Bruno Mottin indicó que “La revelación pone fin a una vieja controversia, porque solo las niñas o mujeres de mala reputación usaban su cabello suelto en Italia en esa época”. Explicó además que la Mona Lisa verdadera era una mujer de estrato social alto. La Mona Lisa real tuvo tres hijos. Da Vinci recibió el pedido del acaudalado empresario florentino Francesco del Giocondo para que pintara a su esposa entre 1503 y 1506, luego del nacimiento de su segundo hijo, pero el pintor se quedó con la obra y trabajó en ella hasta su muerte, cambiando su cabello y otros aspectos del cuadro. En la Mona Lisa original, la mujer agarra su silla más firmemente, y no está recostada contra la silla, como algunos creían, sino sentada derecha, mostraron los resultados del scanner.
Los investigadores también obtuvieron datos sobre la técnica de pintura de Da Vinci, incluida su famoso sfumato o técnica de difuminación de los contornos. Los intelectuales identificaron una falta de pinceladas, sugiriendo que Da Vinci podría haber usado sus dedos para pintar, pero tampoco aparecen huellas en la obra.En definitiva, la sonrisa de la Gioconda esconde un secreto que supera los hallazgos de cualquier grupo de expertos y la ficción de autores como Dan Brown.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
Santiago Ríos